The LAO perspective

A arte contemporânea deixou de caber numa disciplina

Durante muito tempo, habituámo-nos a classificar os artistas pela linguagem que utilizavam. Havia pintores, escultores, fotógrafos, gravadores, ceramistas ou desenhadores. O meio era quase uma identidade e, muitas vezes, o ponto de partida para compreender uma obra.

Hoje, essa lógica tornou-se insuficiente.

A arte contemporânea deixou de caber numa disciplina porque os artistas mais relevantes da atualidade deixaram de pensar em técnicas para passar a pensar em ideias. O meio já não define a obra. É a obra que escolhe o meio de que necessita para existir. Esta mudança pode parecer subtil, mas representa uma das maiores transformações da criação artística das últimas décadas.

Quem percorre instituições como a Tate Modern, o Palais de Tokyo, o Centre Pompidou, o Stedelijk Museum, a Bienal de Veneza ou a Documenta encontra, cada vez menos, artistas confinados a uma única linguagem. Encontrará, isso sim, práticas híbridas que cruzam fotografia, vídeo, instalação, performance, têxtil, escultura, som, arquivo, inteligência artificial ou processos artesanais. Não por uma questão de experimentação formal, mas porque as questões que os artistas procuram responder são demasiado complexas para caberem numa única disciplina.

A pergunta deixou de ser: “Este artista pinta bem?” Passou a ser outra, muito mais exigente: “Que nova forma de olhar para o mundo esta obra nos propõe?”

Há artistas que ilustram uma tendência. Outros ajudam a defini-la. É nesse segundo grupo que destaco a Ana Silva.
A sua prática artística resiste a qualquer classificação simples. Fotografia, bordado, instalação, desenho, arquivo ou matéria coexistem numa linguagem própria, onde cada elemento surge como parte de uma mesma investigação visual. Nenhuma destas disciplinas existe isoladamente. Nenhuma procura afirmar-se sobre as restantes. Todas trabalham em conjunto para construir pensamento.
Há algo de profundamente silencioso nas suas obras. À primeira vista, revelam delicadeza. Observadas com atenção, revelam densidade. As linhas bordadas deixam de ser apenas gesto manual para se transformarem em memória; a fotografia deixa de documentar para convocar ausência; os materiais deixam de ser suporte para adquirirem uma presença quase arqueológica.

O seu trabalho aborda identidade, território, herança, memória e permanência. São temas do nosso tempo, mas tratados sem a urgência efémera das tendências. Existe uma temporalidade longa na sua prática, uma capacidade rara de construir imagens que permanecem conosco muito depois de abandonarmos a sala de exposição.
Talvez seja precisamente por isso que o seu percurso tenha despertado o interesse de uma das galerias mais respeitadas da América Latina, A Gentil Carioca, no Brasil. Não porque responda a uma moda do mercado internacional, mas porque desenvolve uma investigação artística consistente, rigorosa e profundamente contemporânea.

Enquanto curadora e art advisor, interessa-me sobretudo acompanhar artistas que não procuram ilustrar o presente, mas interpretá-lo. Artistas que nos obrigam a desacelerar, a observar e a estabelecer relações inesperadas entre matéria, imagem e pensamento. São esses os artistas que, habitualmente, acabam por atravessar gerações.

Portugal vive hoje um momento particularmente estimulante neste domínio. Existe uma geração de artistas cuja relevância ultrapassa largamente as fronteiras nacionais e que participa, com crescente naturalidade, na conversa internacional da arte contemporânea. Talvez o nosso maior desafio já não seja produzir talento, mas aprender a reconhecê-lo antes de o mundo o fazer por nós.

E é precisamente essa a ambição desta coluna: criar um espaço onde a arte contemporânea possa ser observada para além das notícias, do calendário das inaugurações ou das tendências do mercado. Um espaço de contexto, de descoberta e de reflexão sobre os artistas, as ideias e os movimentos que estão verdadeiramente a moldar a cultura visual do nosso tempo.

Se passar por Lisboa... Reserve algumas horas para visitar a Fundação Calouste Gulbenkian ou o MACAM – Museu de Arte Contemporânea Armando Martins. São duas instituições com identidades distintas, mas complementares, que permitem compreender a vitalidade da criação artística portuguesa e a forma como esta dialoga, hoje, com o panorama internacional. Mais do que visitar exposições, são lugares onde se percebe que a arte contemporânea deixou de falar apenas de objetos. Passou a falar da forma como habitamos o mundo.